À la Recherche du Temps Perdu : Marcel Proust au cinéma
Comme annoncé sur près, loin, le blog de Paul edel, voiciune version française de l'article de Peter Bradshaw sur les adaptations de Proust au cinéma. La traduction a été faite rapidement, à la google, puis revue tant bien que mal. Je ne pensais pas que l'article du Guardian serait écrit dans une langue aussi complexe. Quoi qu'il en soit, ça en ne une idée, et comme d'habitude, la v.o. est dans les commentaires
J-o
À la Recherche du Temps Perdu : Marcel Proust au cinéma
C'est il y a 100 ans que le premier volume de la Recherche du Temps Perdu a été publié , mais une adaptation cinématographique définitive du roman épique (epic novel ???) de Proust reste jusqu'à présent insaisissable.
Peter Bradshaw
theguardian.com ,
Jeudi, 7 Novembre 2013 15.20 GMT
Cette année a été ponctuée par une éruption de livres et d’articles anticipant le centenaire de la première guerre mondiale, et en effet tentant de prendre des instantanés de ce à quoi l'Europe ressemblait et ce qu’elle ressentait en 1913, étrangement posé sur le précipice. L'autre centenaire est semblable à bien des égards : le 8 Novembre 1913, Marcel Proust a publié le premier volume de la Recherche du Temps Perdu, son roman monumental sur la mémoire, la mortalité et l'art, la Belle Époque, et les classes aisées et aristocratiques de Paris , une ville bourrée dans les pages de Proust de personnalités plus vives et extraordinaires, destinées à être emportées par la Grande Guerre.
Il ya quatorze ans , à Cannes , j'ai vu la superbe adaptation à l'écran par Raúl Ruiz du volume final : Le Temps retrouvé, dans lequel le narrateur, Marcel, est réuni avec ces personnes après une longue période loin de Paris pour cause de mauvaise santé. Il les trouve tous considérablement vieillis, sur le point de faire leurs derniers pas de la danse de mort, mais il ressent aussi le pouvoir mystérieux de l'art de recouvrer ce que le temps a emporté. À ma honte, j'ai écrit non sans légèreté (slightingly) du film à l'époque. Peut-être étais-je dyspeptique, pas habitué à la tradition cannoise de commencer sa journée de spectateur de film à 8h30, ou peut-être étais-je simplement ignorant et immature.
En fait, le problème était tout simplement que je n'avais pas lu le livre. Je me suis mis à faire, et je suis devenu accro - puis intrigué par l'histoire mouvementée de Proust sur pellicule, et par ce que cela implique quant aux limites de l'adaptation à l'écran. Il se pourrait que Proust adaptations soient uniques en ce sens qu'elles doivent vraiment être vécues comme un complément du roman.
Mon compatriote le critique David Sexton a suggéré aux lecteurs de s'atteler à l'original - avec un dictionnaire français - anglais si nécessaire. Je suis resté loin de cet idéal, m'en tenir à la traduction de Everyman : c'est-à-dire, la révision par DJ Enright de la traduction de Terence Kilmartin/CK Scott Moncrieff, qui ont popularisé le titre In Search of Lost Time (littéralement à la recherche du temps perdu), par opposition à Remembrance of things past dérivée de Shakespeare. C'est dans les articles de David, avant que je commence le livre, que j'ai lu le dénigrement du cinéma par Proust : . « Certains critiques regardent maintenant le roman comme une sorte de procession de choses sur l'écran d'un cinématographe. Cette comparaison est absurde. Rien n'est plus éloigné de ce que nous avons réellement perçu que la vision que le cinématographe en présente »[1]. Bien que , relisant ce passage , il me semble maintenant que ce n'est pas une révocation claire du cinéma en tant qu’art.
Donc, un cinéaste doit-il essayer d'englober l'ensemble, cette chose gigantesque ? Ou est-ce que la concurrence de Résumer Proust des Monty Python? (Or is that like Monty Python's Summarise Proust competition? pas saisi l’allusion J-o) Le metteur en scène, à l'inverse, doit-il s'en tenir à un seul volume? Ou y a-t-il quelque chose d’insatisfaisant et de déroutant à ce sujet, en ce que cela détache les personnages du contexte, ce qui les rend encore plus difficiles à garder en mémoire ? Tenter l’ensemble, c’est faire tenir un gallon dans un pot d'un litre. Ne traiter qu’un volume c’est une pinte dans un pot d'un litre.
Dirk Bogarde , qui avait été approché à la fois par Luchino Visconti et par Joseph Losey afin de jouer dans leurs différents projets de Proust voués à l’échec, a écrit que le public - les laïcs non-proustiens - serait perplexe en tout cas : « Vont-ils savoir qui est qui ou quoi est quoi? " C'est une bonne question.
En l'état, la seule tentative d’une adaptation théâtrale complète, classique est une version un peu bizarre pour la télévision française, datant de 2011, adaptée pour l'écran et réalisée par Nina Companeez. Le tout est réduit à deux épisodes de long métrage, il balaie le passé comme un soap opera pour après-midi venteux. Le premier et le plus célèbre volume, du côté de chez Swann, est réduit à presque rien, Swann lui-même - l'esthète et collectionneur dont la vie et l'amour obsessionnel font une telle impression sur Marcel, et dont le judaïsme est au centre des observations de Proust sur l'antisémitisme et l'affaire Dreyfus - est réduit à un camée. Sa maîtresse devenue épouse Odette disparaît entièrement de l'histoire. Mischa Lesca, qui joue le jeune narrateur Marcel, a un look guindé, pop-eyed ????- bien que ses difficultés soient celles de n'importe quel acteur dans ce rôle. Est-ce que vous vous attendiez à transmettre le riche matériau textuel dense de l'écriture de Proust, avec des expressions faciales gurning ?????
Mis à part cela, le scénariste (et nécrologue du Guardian) Ronald Bergan a écrit au sujet de sa participation à un projet vidéo massif, ouvert, visant à englober l'ensemble du livre, intitulé Le Baiser De La Matrice de Véronique Aubouy, dans lequel des milliers de personnes liront chacune une seule page du roman de Proust face à la caméra dans le lieu de leur choix.
En fait , les trois films de Proust importantes qui ont vu la lumière du jour, ou plutôt la lumière du projecteur de film, sont des adaptations d’un seul volume : Un amour de Swann de Volker Schlöndorff ( 1984), basé sur le premier volume ; Le Temps Retrouvé de Ruiz (1999), basé sur le dernier, et la Captivede Chantal Akerman (2000), basée sur le cinquième volume, la Prisonnière, dans lequel Marcel invite la belle et jeune Albertine à vivre avec lui dans l'appartement familial.
Avant cela, l'histoire du cinéma est jonchée de coûteux et navrants échecs proustiens. Le paysage est parsemé de manière invisible de costumes et de décors inutilisés. L’acttrice et productrice Nicole Stéphane (à la ville la baronne Nicole de Rothschild), après avoir acquis les droits au début des années 1960, a tenté sans succès d'intéresser François Truffaut à filmer Du côté de chez Swann. Ensuite, est apparu Visconti, un candidat plus plausible, que l'on disait avoir avec lui en permanence un exemplaire de Proust, relié de cuir rouge. Finalement, Visconti a abandonné le film, peut-être dépassé par la tâche et peut-être secrètement terrifié par l'humiliante possibilité de se tromper – bien qu’il ait eu ses moments « proustiens » dans Le Guépard (1963), avec sa scène finale de bal et Mort à Venise (1971), dans lequel les séquences de l'Hôtel des Bains du Lido ressemblent à ceux de Balbec dans le roman de Proust.
Dans les années 1970, ce fut au tour de Losey, qui d'une manière similaire a dû abandonner ses plans pour l’ensemble lorsque les fonds se sont taris. Mais son A La Recherche du Temps Perdu (1972) est un grand film perdu, ou un film fantôme, ou un film imaginaire, parce que, en 1978, Harold Pinter a publié le scénario que Losey lui avait commandé, et il est fascinant de lire ça tout en essayant de « jouer » le film dans sa tête. Le temps de projection était estimé à un peu moins de quatre heures, ce qui représente environ le temps de lecture[2]. Tous les metteurs en scène devraient peut-être créer un projet sans producteur comme le Proust de Losey/Pinter, un film que les téléspectateurs doivent se fabriquer eux-mêmes.
Le scénario de Pinter est une audacieuse et radicale compression, ou une distillation : toute la richesse textuelle et l'amplitude se sont évaporées, et on se retrouve avec une reconfiguration audacieuse, une série de brillants aperçus fragmentaires. C'est une lecture brillante et très « pinteresque » de Proust, avec une véritable passion pour l’œuvre. La biographie de Losey par David Caute cite de façon amusante un non-bailleur de fonds ironisant : «C'est l'âge des Gene Hackman et des Barbra Streisand. Il n'y a pas de rôle pour eux ici. ». En fait, étant donné le grand succès de John Malkovich dans Le Temps Retrouvé de Ruiz dans le rôle du baron de Charlus, un jouisseur acariâtre et snob, je ne suis pas si sûr ; Hackman aurait pu faire un bon, un tatillon docteur Cottard.
Swann in Love de Schlöndoff (1984) est la tentative la plus conventionnelle, et pour ceux qui ne connaissent pas le livre le film le plus accessible et le plus explicable. C'est une adaptation joliment meublée, bien rembourrée du premier volume, Du côté de chez Swann, qui traite de la liaison de Swann avec la courtisane Odette, et qui en fait un drame autonome de l'amour obsessionnel. Jeremy Irons joue Swann l'élégant célibataire avec aisance et distinction, et son succès lui a valu sans doute plus tard des rôles similaires, mais moins intéressants de dilettantes épicuriens dans Fatale de Louis Malle (1992) et Lolita d'Adrian Lyne (1997).
Irons est particulièrement bon à la fin , quand il est plus âgé et fragile : cette adaptation utilise la séquence de la fin du troisième volume, Le Côté de Guermantes , quand Swann doit dire à la duchesse de Guermantes qu'il n’ira pas à Venise avec elle parce qu'il est en train de mourir. Mais une grande palette de nuances se perdent en détachant Swann de l'histoire de Marcel et de Gilberte, et même de celle de Marcel et Albertine ; en outre la distribution semble discutable aujourd'hui : Ornella Muti n'est pas particulièrement intéressante danse Odette, et Alain Delon en moustachu a l’air conscient de lui et contraint en Charlus bouc ? (the goatish Charlus). Pourtant, le film est enlevé et ne manque pas d’allure, et c'est peut-être l'heure de gloire d’Irons.
Le Temps retrouvé de Ruiz (1999 ) est un film merveilleux à revoir : une reconstitution du volume final, Le Temps Retrouvé. À certains moments, c'est comme un ballet expressionniste, ou comme un spectacle de lanterne magique incroyablement sophistiqué, ou un théâtre de marionnettes. Ruiz relie presque sans césure le passé et le présent et, comme avec ses Mystères de Lisbonne (2010), parvient également à créer un style cinématographique en phase avec le prétérit littéraire. La chorégraphie de ses mouvements de caméra est aussi audacieuse et fluide que celle de Max Ophüls, mais vertigineusement compliquée du fait qu’elle voit des pans entiers de la distribution dans les scènes de groupe se déplacer comme les chiffres sur une boîte à musique complexe qui prend vie quand on la remonte.
L'acteur italien Marcello Mazzarella se sort bien du rôle difficile de Marcel lui-même : dans une scène, transporté par une performance musicale, il incline la tête, avec une main sur la joue, afin de rappeler la célèbre photo de l'auteur. Tout en marchant avec Gilberte, jouée par Emmanuelle Béart, Marcel est surpris par un orage et le couple doit se mettre à couvert. C'est un moment fascinant d’artifice. L’éclair dans leurs visages semble avoir été réalisé avec une simple lumière derrière la caméra, et la "feuille" mince de pluie semble aussi artificielle que traditionnellement dans les films. Pourtant, l'artifice est absolument assuré et évoque une qualité truquée (fabricated), l'animation d'une planche de couleur dans un livre, créée par la mémoire et dirigée par l'art.
Mazzarella est éclipsé par certaines performances remarquables. Pascal Greggory est imbattable en tant que Robert Saint-Loup le vieil ami de Marcel, et personne ne pourrait être meilleur que Malkovich en baron de Charlus, libertin homo. Il saisit toutes les qualités du personnage, la désapprobation acide etméticuleuse, l'affirmation ouverte de sa richesse et de son pedigree, la prétention, la décadence et l’orgueil d'un jouisseur et satiriste. Son déclin dans l'extrême vieillesse est un tour de force d'acteur. Il est impossible d'oublier son salut dédaigneux et méprisant à une dame dans la rue - presque plié en deux. Cependant, sûrement la prestance naturelle de Catherine Deneuve l’aurait mieux distribuée en duchesse de Guermantes qu’en Odette ?
Peut-être la seule chose dont je ne suis toujours pas sûr, c'est le rendu du fameux passage du livre dans lequel Marcel revient à Paris après plusieurs années et ne peut pas surmonter la pantomime absurde de paraître vieux : c'est comme si ces gens avaient peint leurs cheveux en blanc et avaient gonflé leurs ventres et leurs joues. Ruiz ne transmet pas la même différence dramatique. (traduction douteuse)
Peut-être le film le plus extraordinaire à revoir c’est La Captive de Akerman, sorti un an plus tard, en 2000. Le film est un remaniement proche et l'actualisation du cinquième volume, La Prisonnière, dans lequel le narrateur maintient Albertine dans son appartement de la famille (théoriquement, en tant qu'invitée ; il est ici rebaptisé Simon et elle Ariane. C'est un arrangement quasi- conjugal, mais sans la franchise et l'intimité d'un mariage, et une relation dans laquelle Ariane a effectivement consenti à être sa captive, autorisée dans son lit rarement et fondamentalement pour pelotage et dry humping ???? (oserai-je dire que je sèche ?), après quoi il lui est méticuleusement et poliment demandé de se retirer. c'est une version « domestiquée » (domesticised) de la relation homme aliéné/maîtresse, et peut-être une reconstitution « effondrée » de la passion de Swann pour Odette, mais avec des aspects spécifiques. C'est une maison de famille, pas un appartement de célibataire, ce qui fait peut-être que l'aménagement n'a pas besoin de faire scandale : ses parents sont absents, bien que sa grand-mère adorée soit dans la scène, et Simon inconsciemment, dans les moments de grande épreuve émotionnelle, fera irruption dans sa chambre pour l'embrasser .
Dans un autre contexte , un tel film ressemblerait à un film noir psychologique, ce qui conduirait inexorablement à une finale en violence. Pas ici. En tant que morceau de cinéma, c’est génériquement inconnaissable, en intensifiant le mystère. Ariane , la prisonnière, est traitée avec le contrôle obsessionnel qu’on pourrait prodiguer à un amoureux errant - constamment questionnée au sujet de ses allées et venues . Elle est épiée, et les incohérences dans son récit ultérieur des événements de la journée froidement notées . Ariane est interrogé sur ses tendances apparemment lesbiennes, mais jamais ouvertement affrontée sur ce point, et leurs relations sont toujours situées à un niveau incroyablement raffiné de courtoisie et même de sollicitude, peu importe le degré de dysfonctionnement de la situation. Le moment où Simon est le plus proche de perdre ouvertement son calme se situe alors qu’il entraîne Ariane hors d’une fête donnée par Léa la belle actrice à la mode ; Ariane obéit simplement avec le haussement d'épaules le plus doux possible. Elle ne se sent pas humiliée, et il ne se sent pas en colère - du moins pas à ce niveau de la surface de démonstration affective où la plupart des mortels non-proustiens ordinaires mènent leurs relations humaines ( bien que dans les derniers moments du film, d'autant plus émouvant par leur réserve, Ariane exprime sa perplexité face à son obsession de tout savoir à son sujet, et déclare que ses sentiments pour lui demeurent vivaces parce qu'il tient quelque chose en retour ).
En relisant mon examen initial de La captive, je peux voir que sans aucune connaissance de la matière d'origine, j'étais condamné à la perplexité - même s’il s’agit d’une perplexité intriguée – face à ce film opaque et énigmatique. Simon est joué par Stanislas Merhar, Ariane par Sylvie Testud, et la jeune Bérénice Bejo - qui trouvera plus tard la gloire avec Michel Hazanavicius The Artist (2011) etAsghar Farhadi Le passé (2013) - joue Sarah, l'une des amies homo d'Ariane. Merhar est un portrait de la misère crispé, les yeux brillants d'angoisse froide à l'inconnaissabilité des femmes et des autres personnes en général. Pour n'importe quel acteur dans ce rôle, il doit y avoir une tendance à lui donner une sorte de légèreté moustachue, un sourire triste jouant sur les lèvres, comme s'il savourait déjà tous ces paradoxes et ces nuances qu'il pourra apporter plus tard dans l'acte d'écrire. Mais la performance de Merhar dépasse cela, et ajoute une douleur permanente avalée par quelqu'un qui est un mélange surprenant de caractéristiques excentriques : personne âgée invalide, enfant choyé, esthète hors du monde, savant réservé - et adulte fortuné, dorloté.
Dès le début, il ya quelque chose d'étrange et captivante dans La Captive . Au volant de sa bulbous ? Rolls -Royce (une touche pas tout à fait inappropriée d’anglophilie proustienne?), déprimé, attentif, Simon suit Ariane qui se promène dans Paris dans sa voiture de sport décapotable. C’est très hitchcockien. Dans son véhicule à l'ancienne, son lourd costume et son manteau, Simon semble provenir d'un Hitchcock des années 50 ou 60, en tout cas une époque bien antérieure à celle d’Ariane - mais pas vraiment la belle époque. Revoyant La Captive, j'ai senti combien ce film était semblable à un autre film sur l'obsession d'un connaisseur : Dans la ville de Sylvia de José Luis Guerin (2007).
Il ya quelque chose de si étrangement détaché dans les scènes de dialogue entre Simon et Ariane (qui bien sûr ne font jamais rien d'aussi banal que de discuter de leur «relation») qu'il est tout à fait possible de soupçonner qu’une sorte de récompense ???? (some kind of M Night Shyamalan-type payoff) va être servie. Il se pourrait que la situation dans son ensemble soit un jeu érotique complexe dans lequel tout le monde, pas seulement Simon et Ariane, participe. Mais c'est peut-être plutôt que Akerman a pressenti la qualité somnambulique de La Prisonnière - et « somnambulisme » est bien sûr une analogie courante pour le comportement des classes dirigeantes de l'Europe dans l'année précédant la Grande Guerre. C'est un grand poème de désir et de désespoir en prose stylisée.
Ce sont les trois grands saluts à Proust, tous notables selon leurs propres critères, et pourtant ils sont inévitablement incomplets s’ils ne vous ramènent au livre. Et ma propre expérience de lecture de Proust est que rien ne peut vous préparer à la façon dont, paradoxalement, l’œuvre elle-même semble incomplète - peu importe combien colossale elle semble au lecteur, ce lecteur est toujours au courant que beaucoup n’est pas dit.
Il ya autre chose aussi. Pour tout journaliste, sans doute, l'un de ses passages les plus glorieux du sixième volume, Albertine Disparue, ou La Fugitive, où nous sommes au courant des sentiments de Marcel, l'écrivain potentiel, sur l'obtention de son premier article publié dans Le Figaro. Pourquoi ce passage n'est pas enseigné dans toutes les écoles de journalisme? Pourquoi ne figure-t-il pas dans l’anthologie de chaque collection consacrée au journalisme ? Nous lisons d'excitation enfantine de Marcel essayant de recréer la façon dont quelqu'un se sentirait juste tomber par chance sur son article («J'ai ouvert le journal négligemment comme le ferait un tel lecteur, même en prenant l'air de ne pas savoir ce qu'il y avait ce matin dans mon journal ...») . Et puis - chef-d'œuvre comique ! - Marcel ordonne à sa bonne Françoise d’acheter d'autres exemplaires de ce jour du Figaro, ostensiblement pour qu'il puisse les donner à des amis, mais en réalité pour qu’il puisse lire son article en double, en triple, côte-à- côte avec lui-même, les yeux écarquillés avec étonnement devant ce phénomène : différentes personnes lisant son article, et ayant des pensées différentes à ce sujet. Fascinant! Ce passage inspiré suffit pour guérir tout journaliste d'être blasé sur le privilège d' écrire des choses que d'autres personnes liront. Pour moi, il m’aura ramené à mon excitation lors de ma première publication personnelle : un article dans la Revue littéraire Auberon Waugh en 1988.
Et maintenant, bien sûr, il ne reste plus qu’à revenir au volume un et à recommencer, en français cette fois .
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